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環ROY「BREAK BOY」

環ROYの新しいアルバム「BREAK BOY」は実直で律儀なアルバムだ。環ROYはここで、彼のような才能に溢れたアーティストであれば全く無視してもいい事柄について綿密に語っている。

おそらく、彼がヒップホップという狭いフィールドを飛び出して、外部に立つ覚悟を持っていることは、誰もが認るところだろう。だから彼は、トラックにおいてもリリックにおいても、その筋のリスナーやミュージシャンが認める「いわゆるヒップホップ」の音楽性から離れて、縦横無尽にラップすることができる。ところが、このアルバムには、一聴すると「いわゆるヒップホップ」のように聞こえる歌詞があるだろう。しかしそのように聞こえてしまう余地こそが、このアルバムが立ち向かった困難さを示している。

環ROYはこのアルバムの中で、何度も繰り返して、音楽に、ヒップホップに、両義的な評価を与えていく。「J-RAP」のなかで彼は日本のヒップホップシーンについて「排他的で閉鎖的」「ダジャレみたいでだせえ」「大人になれば卒業」だと言うが、しかし同時に「オレは愛してるさ」と認める。これを注意深く聞かなければならない。つまりこの歌詞こそが、一聴すると上述したような「いわゆるヒップホップ」に聞こえてしまうことだろうということだ。

もし、これがシーン全体に批判的な態度を取ってから「それでも自分の帰る場所であり、それが愛しい」と述べてみせるくだりであるならば、そのすべてがヒップホップという浪花節の焼き直しに過ぎない。つまり、シーン批判など存在しないも同然で、それは最終的には「シーンを愛する」という言葉を引き出すための順路なのだ。全体がシーンを保全するためにあると言って差し支えない。しかし環ROYがここでやろうとしているのは、「ダジャレみたいでだせえ」と言うことと「オレは愛してる」と言うことを同時に行うということだ。後者を言うためだけに前者を存在させるならば、それはインチキだし、しかも今この時代において「どちらが正しい」と言うことはあり得ない、彼はそう思っているようだ。「メジャーシーンは間違っている、俺たちのやっていることこそ本物である」と言い続けているだけならば、残されるのは最後までメジャーになれない小さなコミュニティだけである。そこでは一見、外部について語り合っているようで、誰もそんなことはできないだろう。EXILEなどが快調に売れていく中で、上述のような、シーンの内部に見せつけるための浪花節の物語を演じ続けてしまうだろう。本当に外部に対して、それが反抗であっても、態度を表明したいのならば、それではいけないのだ。「J-RAP」と同じことは、「BGM」の中で、ちょうど逆照射されるように歌われている。原曲を歌った仲井戸麗市は「ポップスを書かねえと ポップスを唄わねえと 甘いメロディー とろける節まわし 小娘達が聴き惚れそーなポップス」と述べた。これは、発表された85年には相応しいような、分かりやすい皮肉だ。しかし環ROYはカバーするにあたって、やはりポップスに両義的な評価を下そうとする。

ポップスを書かねーと
ポップス歌わねーと
大して売れやしねーし
バイトしなくちゃなんなくなるぜ
ポップスを書かねーと
甘いメロディーを作らねーと
自称ラッパーと呼ばれちまうぜ
一生Mステなんか出れるわけねー
上手い歌うたわねーと
下手だからオートチューン
クソガキが共感できる音楽
作らねーと 作らねーと

甘いメロディー
おしゃれなトラック
素敵な歌詞で
一発当てよう

これは原曲と同じくポップスそのものへの皮肉であるようだが、しかし同時に皮肉を気取っている多くの者たちがバイトに明け暮れているし、「一生Mステなんか出れるわけねー」のだと指摘している。「携帯着メロダウンロードしてもらわねーと話にもならねえ」と彼が言うのは、今や単に事実なのだ。我々はヒップホップを多くのリスナーに聴いてもらいたかったはずなのだ。そのことを認めなければ、自分たちの音楽は、自分たちのためのものにしかならない。環ROYは原曲の意図を理解した上で、その皮肉をも相対化して読み替えている。それは彼が、どちらも正しいとして、すべてを等価に扱いたがったからこそできたことだろう。

しかし、冒頭に書いたように、これは環ROYが書かなくてもよかったことだ。彼はいきなりはみ出てしまっても良かったのに、ヒップホップシーンに対して、成し得る限りの仁義を切っている。ひどく真面目で、律儀すぎる。ヒップホップを本当に批判するとはどういうことか、そしてヒップホップを愛しているから何をすべきなのか、それを言うのが本来の姿なのだから、それを言おうとしている。しかし、それを言うことは、今のシーンにおいては、そこから完全に出て行くことと同義になるだろう。だからおそらく、このアルバムがシーンから受け入れられても、受け入れられなくても、彼は納得するだろう。

その先にあるものについて。誰からも外部に立ってしまった先で、自分は一体何をするのか。彼は「love deluxe」や「Break Boy In the Dream」の中で何度も「全部気持ちの持ちよう」と自分に言い聞かせ、「ちょっとくらい苦しい方が上手くいくんじゃないかと思ってる そうやって折り合いを付けないとやっぱ立ってらんなくなる」と吐露する。さらに「分かれ道どっちも正解」と言って、自らが下したその判断に沿わせて、自らの行く先の確かさを信じようとする。この孤独な最後に、言葉は、寄る辺なき自らを鼓舞するためだけに使われる。そういう、このアルバムのエンディングは、弱くて切なくて、強くて美しい。

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2010.03.30 | | コメント(2) | トラックバック(1) | [音楽

口口口「everyday is a symphony」

ゼロ年代ってのが終わろうとしていて、僕もまた、この10年が何だったかということについて考える。もちろん、今年のベストディスクは何だったかとか、そういう人並みのことを考えようとも思っていた。しかしどちらも、ついこの間まで、特にこうだという考えはなかった。

ところがちょうど今月、口口口のニューアルバムが出て、僕はこのアルバムこそゼロ年代を総括して、次の10年に何が起こるかを示してみせる、すごいアルバムだと思った。もしも2010年代がどんなものかと言うなら、いや控えめに書くとしても、僕がゼロ年代後半から2010年代の前半をどんなものだと考えているかを言うには、このアルバムを紹介するのが近道だと思う。つまりこのアルバムは一聴してすぐに僕にとっての2009年のベストになったし、口口口のこれまでのアルバムのベストになったし、ゼロ年代を語る上で外せない価値を持った一枚になったのだ。

僕がこのアルバムにふれたのは、11月の頭にナタリーで口口口の三浦康嗣さんといとうせいこうさんにインタビューさせていただくことがあって、その資料として聴かせてもらったのが最初だ。このインタビューは、会話の音が口口口によって録音され、三浦さんがそれを元に曲にしてくださった。つまり口口口の声に混じって僕の声がサンプリングされて使われているのだ。これが、すごく、すごい。とてもいい曲だし、このアルバムの思想を伝えている音楽なので、ぜひ聴いてください。

口口口がなぜこんなインタビューをやっているかというと、今回のアルバムの手法としてフィールドレコーディングを採り入れているからだ。つまり、室内や野外でテレコを回して録音した音をサンプリングソースとして使い、楽曲を作っている。電車の発車ベルをループにしてメロディを奏でたり、桶で水を汲む音を使ってビートを刻んだり、鳥の声をさまざまなピッチで鳴らしてシンセのような効果を生んだりしている。

さて、ここでフィールドレコーディングという手法は、一見するとこのアルバムにとってアーティストの「いまここ」、音楽の現場性を伝えるために機能しているように見える。ゼロ年代の音楽においては、また他のカルチャーにおいても、アーティストのナマの感情、ナマの実感、ナマの状況というものが大きな価値を持つようになっているから、このアルバムではフィールドレコーディングがそれを伝える仕掛けとして働いているようだ。

しかしここで注意すべきなのは、口口口はデビュー当初から単なる現場主義は通過しているということだ。2004年のファーストアルバム「口口口」とセカンドアルバム「ファンファーレ」の二枚、これらの極めてポップなアルバムによって、彼らは90年代後半からゼロ年代初頭にかけて先鋭的なリスナーやミュージシャンが選択した抽象性――たとえばそれは「アブストラクト」とか「音響派」のようなジャンル名に象徴される――に異を唱える。その抽象性とは大文字の「音楽」を維持して音楽の全体性がゼロ年代以降にも継続することを偽装するためのものだったが、それが隘路であり、かえって作品の射程をどんどん狭めていることは明らかだった。口口口はそれを批判して90年代を完全に終わらせるために、バンドスタイルで「アーティストの等身大」に見えるポップスという具体性を示したのだ。それが2004年だった。

だから、2009年末であるいま、口口口のフィールドレコーディングを指して、これは現場性を表現したアルバムだなどと単に言ってはいけない。我々は本当に注意深くあるべきで、ここではむしろ、ゼロ年代が現場性を重視したことに対する批評が行われていると見るべきである。つまり口口口は、録音されたものは本来、現場そのものと一致させられないというシンプルな事実に我々を立ち返らせようとする。彼らはフィールドレコーディングによって集められた音源を、すべて楽曲を構成する素材としてしか見ていない。そこにはソースが内包する空気感(現場性)やリスペクトの意識が重視された従来のサンプリングに対する意識と真逆であるかのようだ。彼らはソースを徹底的に切り刻み、別の意味づけを行い、別の文脈を作り上げることに躊躇しない。

ところが、口口口はそうすることで楽曲の現場性を否定するわけではない。彼らは電車の音によって東京という都市に生きることを、水の音によって温泉のレイドバック感を、卒業式の音によって青春の切なさを、全く豊かに表現している。それは偽装されたものではなく、やはりメンバーの実感として間違いなくそこに存在している。彼らは編集された音源からエモーションが立ち上ることを否定していない。言い換えれば、現場性やエモーションは作品に本来的に宿るわけではなく、ポップスを成り立たせる編集課程によってこそついに生み出されるのだと熟知している。口口口はここで現場性や感傷への安易な傾倒を慎重に退けつつ、誠実にそれらを立ち上らせようとするのだ。

このアルバムは、それをダイレクトに表現している。それはゼロ年代の現場主義に対する批評であり、彼らがこれまでリリースしたすべてのアルバムへの批評でもある。そしてなお、ゼロ年代後半からの表現、今やあと数日で始まろうとしている10年代前半の表現にとって、この編集への意識というものが一つの鍵となるだろうことを、高らかに宣言している。

2009.12.24 | | コメント(0) | トラックバック(0) | [音楽

進行方向別通行区分「理論武装」

進行方向別通行区分を聴いていたら気持ちが戻ってきた。

さて、折を見て詳しく書きたいですが「Quick Japan84」で「'95」という連載を始めました。僕は長いものを書き始める前に「今から書くのはこういう内容です」ということを絶対に言わないのですが、今回はちょっとだけ書きます。なぜ書くかというと、僕はこの連載に対して非常にマジメな気分だからです。

まず、この連載は橋本治「89」を強く意識して書いています。逆に言えば「89」を読めば僕が何をしようとしているかはほとんど分かりそうなものですが、読むのが面倒な方は今売っている「小説トリッパー」の橋本治インタビューを読むとだいたいどういう本だったのか分かると思います。次にこの連載は、僕がここ10年くらい書いたもののほとんどすべてが要素として組み込まれることになると思います。しかしだからといってこの連載が別に僕がいままで書いたものの中で一番難しいとか長いとかヘンだとかまともだとかっていうわけでは全然ないので、お気になさらずに。……という文章自体、「89」へのオマージュです。第三に、タイトルから想像できると思いますがこれは1995年について書いています。しかし実際に僕が書こうとしているのはむしろ現在の状況についてであって、懐古的なものを目指さないことにしています。どちらかというと僕はこの本を95年にゼロ歳だった人、5歳だった人、そしてもちろん14歳だった人、などなど、そういう人のことのことばかり考えながら書いています。今載っているのは導入の導入みたいな内容で、まだ何も言っていないに等しいのですが、ついでに書くと、僕は1995年を単に切断線として指摘するロジックにかなり飽きているので、違ったものを書こうとしています。ちなみに第一回では、渋谷系からテクノに至る90年代前半とゼロ年代を一連の流れで語れるように、小室哲哉と90年代後半のビジュアル系と椎名林檎の位置づけを再定義しようとしています。ともあれ誌面とのバランスを考えながら、連載では細かな検証よりも多様なトピックに触れていこうと思っています。連載タイトルには批評と書いてありますが、しかしこれは僕が自分の書くものの中でもっとも使いやすい文体を使っていて、だから僕が思う評論や批評とは違った書き方をしています。

さて僕が「自分は今これについてブログに書こう」と思った進行方向別通行区分について。これは表現の興味が異化作用に集中しているという意味では、僕にとってまったく現代詩と同じ興奮をもたらすバンドになる。それは歌詞が現代詩として読めるということではない。それもあるが、しかし言葉のレベルだけではなく、バンドのパフォーマンスの全体が違和感を起こすフックとして選ばれている。それで僕は「現代詩的なバンド」と思ったのだ。

しかしもちろん、分かりやすいのは歌詞を参照することではある。

貴乃花
若乃花
抱きしめる
貴花田
若花田
キスをした

これはもっとも笑いに近い例だが、このバンドの言葉は基本的にこれである。ここには生の実感や感情の表出はない。卑近な固有名詞と素朴な恋愛感情が押韻を伴って連呼されるとき、そこには言葉に操作を与えてやろうという歪さと禍禍しさしかない。彼らの地名と人名への固執は、あまりにも言葉そのものに対して自覚的でありすぎる。

八王子 下から読んだら何かが見える
天王寺 下から読んだら何かが分かる
吉祥寺 逆から読んだら何かが変わる
本能寺 逆から読んだら何かが起こる

これはほとんど「コトバを連呼するとどうなる」と言われているに等しい。

コトバを連呼するとどうなる
コトバを連呼するとどうなる
コトバを連呼するとどうなる
コトバを連呼するとどうなる
たいへんなことが起きる

ところで藤井貞和の「コトバを連呼するとどうなる」(『枯れ葉剤』)だが、ASA-CHANG&巡礼のニューアルバムの一曲目がこれだった。Amazonで試聴できる。アルバムタイトルになっている「影のないヒト」はMySpaceで聴いた限りでは僕には「花」からの発展を信じることができなかった。これはこれで素晴らしいものなのだが、ここに「花」の驚き(これもMySpaceで聴けるので未聴の方は発表順に聴いてみるのがおすすめ)が残っているかと言ったらそうではないと思う。むしろデカダンスへの傾倒がわかりやすく目立ってしまう。

しかし、進行方向別通行区分は、上に引用したような句の直後に「隣のあの娘はマシンガン」という乱暴なコーラスを交えてしまう。この曲のタイトルが「理論武装」というのも示唆的である。彼らは異化のアプローチが一定の成果を上げることを認めながらも、ペダンティックな態度とともに予定調和に終始すると判断しているわけである。彼らは「下から読んだら何かが分かる」などということを本当は信じていない。しかしリフレインと「たいへんなことが起こる」という具体性の欠如をもって言葉を批評的にとどまらせる段階にもない。それすらを相対化して乗り越える言葉を持ち込もうとする。繰り返しになるが、その姿勢は言葉だけにとどまらない。もちろん彼らが20回近くの「解散ライブ」を行っていること自体も表現の一端としてあるが、動画があるので、ぜひ見てほしい。

言うこと聞かない悪い子はおしおきされた
坂井の前歯は白い雪のように
坂井の前歯は白い雪のように
坂井の前歯は白い雪のように
坂井の前歯は白い雪のように
Wow Wow Love And Peace
Wow Wow 愛が地球を救う
Wow Wow Love And Peace
Wow Wow 愛が地球を救う

センチメンタルになまはげの話を歌ったと思ったら「愛が地球を救う」と連呼して両腕を宙に漂わせるのだ。言葉とアレンジとライブパフォーマンスが一体となって表現される、その異形の接合の生々しさ。進行方向別通行区分による現代詩の体現とはここにあって、それは彼らが異化という効果そのものであろうとしているということであり、見るたびに驚かされる。

2009.06.22 | | コメント(1) | トラックバック(0) | [音楽] [文章

相対性理論「ハイファイ新書」

ずいぶん急な話で申し訳ないのですが、告知があります。本日2009年1月25日(日)深夜25時30分よりTBSラジオの「文化系トークラジオ Life」にゲストで出演します。レギュラーの出演者はcharlieこと鈴木謙介さん、佐々木敦さん、津田大介さん、斎藤哲也さんです。津田さんにお会いするのは1年くらいぶりだろうか。テーマは「未知との遭遇2009」となっていて、僕はこのブログの内容に似通った話をするかもしれません。テーマや出演者にご興味を持たれた方、良かったら聴いてみてください。放送後に、ポッドキャスト配信によるダウンロードもたぶんできると思います。詳しくは番組ホームページでどうぞ。

と、大事な用があるときに限って風邪をひく。熱が出て喉が痛く、身体がだるい。最悪だ。

あと相対性理論「ハイファイ新書」も発売日には聴いていたのに、ここに書こうと思いながらこんなに時間が経ってしまった。聴いて、まず最初に思ったのはTHE・天久聖一 with ギ・おならすいこみ隊「モテたくて…」(日射病撲滅キャンペーンソング)に似ているということだ。冗談ではなく決然とその話を書こうと思いながら延び延びになっていたら、「Waste Of Pops 80s-90s」さんも「人生と同質のセンス」と書かれていたので、あながち間違っていないと思う。では何が「モテたくて…」に似ていると思ったのか。

「ハイファイ新書」は「シフォン主義」よりももっと明確に歌詞とボーカルが「かわいいもの」「女性的なもの」に向けられていて、歌い方もやけに艶っぽい、少女のエロチックさみたいなものを強調した歌い回しが多い。呼吸の使い方もエロい感じだ。例えば「バーモント・キッス」における「世界征服やめた」の「征」にかかる声。「学級崩壊」の「崩」の表現。「ルネサンス」での「ルネサンスでいちにの算数」と言う気取った声。あるいは「さわやか会社員」における「さ」もそうである。そんなふうに、どこがそうだと指摘できる程度にはクセのついた歌い方をしている。そのようにしか歌うことができないのか、意図してそう歌っているのか、いずれにしてもそういう表現を「シフォン主義」よりも好んでトラックに残している。

しかし面白いのは、この不思議少女的なエロさを表現する歌唱が、歌詞によって表現されるある情動を表現するためには全然使われていないというところだと思う。おそらく今、相対性理論がやろうとしているのはそういうことで、それが今このバンドの核になっている。楽曲として「かわいいもの」「少女性」「切なさ」などを表現するための要素で構成されているにもかかわらず、実際には彼らの歌は具体的なエモーションを欠いている。切なそうな言葉が歌詞に頻出していても、指し示している情景を持っていない。「優しさだけじゃ恋は辛い」と言いながら、その言葉はシリアスな実感として述べられているのではなく、我々が「切なさ」を響かせるために選ばれていると言った方が正しい。おそらくこのバンドが人気を博しているのはそこで、我々が彼らの歌に刺激されて抱く感情は、歌詞から与えられる漠然としたイメージを我々自身が補って成り立っていると言っていい。我々は想像の中で我々自身の相対性理論を膨らませることができることに面白さを感じている。

そこが、僕が「モテたくて…」に似ていると思ったところだ。あの曲で天久聖一が「ガリバー!」とか「ピッチャー!」と叫ぶとき、そこには実体としてのガリバーとかピッチャーがいるわけではない(当たり前だ)。あれは「デカいもの」「カッコいいもの」のスゴさを強い表現力でもって喚起させるためだけに間投詞的に投げかけられた言葉なのだ。天久聖一のマチズモと相対性理論の少女性は、いみじくも対になって同じことをやろうとしている。

上記のようなコンセプトは、アルバム全編を通してよく表現されていた。サウンド的にも、「Waste Of Pops 80s-90s」さんも指摘していたが、前作にあったようなUKギターロックの要素は消えて、ポストパンク期のポップミュージックみたいな調子で(ジャンル選択のエキゾチックな方向性も含めてそう思った)よくまとめられていると思う。トータルアルバムとしていい出来だ。ただ、その代わり何がどう結合して噴出しているのか分からないような面白さがあった「シフォン主義」とは違う魅力を伝えるアルバムになっているのは間違いないだろう。「シフォン主義」を想像しているとコンサバティブな印象を受ける内容かもしれない。また、ばるぼらさんが「CDの完成度のわりにはライブが上手くない」と書かれていたが、最近は録音物を踏まえた上で、演奏の上手い下手はともかくとして身体性を表現するミュージシャンが注目される傾向にあるので、相対性理論がそうでないのならちょっと変わっているなと思う。そつなく(または、そつないように振る舞いながら)完成度の高い録音物を作りつつライブが下手なのならば、懐かしい渋谷系のミュージシャンの一部が持っていたレコーディング偏重っぽさがあるのだろうか。まあ僕はライブを見ていないので、実際がどうであるかは分からない。

2009.01.25 | | コメント(2) | トラックバック(0) | [音楽

ORANGE RANGE「はい!もしもし…夏です!」

最近はORANGE RANGEのアルバム「裏SHOPPING」に収められた「はい!もしもし…夏です!」ばかりを聴いている。

この曲を知ったのはTSUTAYAに行ったときに店内でかかっていたからだ。TSUTAYAの店内放送は、トップアーティストであるORANGE RANGEの新譜に収められた、南明奈というそれなりにキャッチーな人物がボーカルを務めている曲ということでこの曲をかけているに違いない。実際のところ「裏SHOPPING」というのは実質的にレアトラック集みたいな扱いのベストアルバムであるし、そもそもORANGE RANEGEというグループのポピュラリティも以前に比べて翳っていると言わざるを得ない。しかしそれでもTSUTAYAで曲がかかるような立場のアーティストとしてあるわけで、そのようにグループとして微妙な時期にあるからこそ、僕のようにこれまでORANGE RANGEなどろくに聴こうとも思わなかったリスナーが惹かれてしまうような歪な楽曲が紛れ込んでいるのだと思う。つまり言ってしまえばこの曲は、いろいろとひどい。

そもそもこの曲は2005年に発売されたシングルのカップリングだった。ここでMP3を聴ける。この曲は簡単に言うと「電波ソングを意図した電波ソング」として作られている。いかにもベタベタなファンシーさをもった言葉をデタラメに並べた歌詞を「沙織」という女の子にヘタクソなウィスパーボイスで歌わせるというもので、ヴァネッサ・パラディのような「いかにもフレンチポップです」みたいなトラックが付けられている。つまりこれは、ORANGE RANGEらしいのであろう冷笑趣味を持った、言ってみれば諧謔に満ちた曲だったのである。

それだけでは面白くはなかった。しかし「裏SHOPPING」において、その諧謔趣味は禍々しく歪められて何だかよく分からないものになっている。まずトラックがリミックスアルバム「Squeezed」に収められたバージョンであり、これはやけにチープなエレクトロ風味に変えられている。ここにMP3があるが、しかし南明奈のバージョンはこのリミックスバージョンとはさらに違って、歌が非常に適当なのだ。リミックスではウィスパーボイス風の木訥としたボーカルの感じがエレクトロの楽曲にそこそこマッチさせられているが、南明奈は元々自分に与えられたものではない楽曲だからなのか何なのか分からないが、何も考えずにただ明朗と歌を歌っている。リリースから3年を経て原曲が元々意図したところが忘れかけられているところで、換骨奪胎のように曲の要素がザクザクと乱暴に差し替えられているわけで、ここではもはや最初に何をやりたかった曲なのかはかなり伝わりにくくなっている。

これが素晴らしい。結果としてこの曲は、もう「電波ソングを作ってみました」というような諧謔趣味などみじんも感じさせない、真の意味で単なる電波ソングになっている。「面白いだろ」と目配せしながら作った原曲なんかよりずっといい。こんな妙な曲をORANGE RANGEという人気アーティストのアルバムで聴けてしまうのもまた非常にいい。調べてみると、このような何かが壊れてきてしまったような感じはこの曲だけでなくORANGE RANGE自体に表れているようだ。「おしゃれ番長」のカッコいいのかオシャレなのか首をひねってしまう微妙さなどは、関口誠人が脱退する直前のCCBにおける「ないものねだりのI Want You」のようなノリきれないモンド感があって非常にいい。

ただ1つ問題なのは、こういう書き方をしてしていると、まるでこれは笑いものにすべきものだというように読めてしまうことだ。そうではない。バッドテイストだから好きだというと、バッドであると言うことになる。そうではないのだ。僕はこういうキメラのようなものこそポップスの神髄だと真剣に考えていて、どうしようもなく愛してしまう。ただそれだけのことを伝えるのが、すごく難しい。

2008.12.18 | | コメント(10) | トラックバック(0) | [音楽

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